Conoscere l'arte moderna e contemporanea coreana con RM

Date un occhiata ai migliori artisti del cantante 2021.03.24

Anche quando hai solo un interesse passeggero per qualcosa, se lo fai insieme a qualcun altro, puoi sentire l'attesa dalla testa ai piedi. Non puoi fare a meno di percepire un po 'di unione, anche se ti trovi in luoghi diversi, quando condividono i loro pensieri e sentimenti: le conversazioni durante questo periodo particolarmente intimo ti avvicinano un po' a questa persona che sembra lontana.

RM, leader dei BTS, è pronto a mostrare attraverso i suoi occhi l’amore che prova verso l'arte. Non si ferma a parlare semplicemente di artisti e opere d'arte che ammira; condivide questo affetto con molte persone facendo donazioni per cause legate all'arte, ed è tutto possibile perché è così innamorato del piacere che l'arte ha da offrire. RM dice di sentirsi riposato e ispirato dopo aver visto l'arte, il che a sua volta ci rende più curiosi anche per le arti.

Com'è il mondo dell'arte attraverso gli occhi di RM? Il critico d'arte Jangro Lee analizza questa domanda entrando nei dettagli degli artisti e delle opere d'arte a cui il musicista è più interessato.

Kim Whanki

L’artista Kim Whanki e il pubblico in generale hanno ora più opportunità di comunicare attraverso numerosi media, e così, oltre al loro lavoro, i fan stanno anche prestando attenzione alle azioni degli artisti.

È il caso di una foto di RM in piedi con Eternal Song, una delle opere di Kim Whanki, che è stata esposta in una mostra tenutasi al Seoul Museum of Art.

Eternal Song

Un artista potrebbe immaginare un modo più brillante per dire che vuole stare con noi per sempre? Durante gli studi a Parigi, Kim ha dipinto questa versione moderna dell'estetica coreana, un'opera che non è dissimile dal desiderio di un fan che il proprio artista preferito rimanga a lungo nel proprio mestiere.

Kim Whanki, Eternal Song. 1957. © Fondazione Whanki e Museo Whanki.

Kim fa un uso frequente di motivi naturalistici in questo lavoro e le immagini che sente rivelano al meglio le emozioni coreane, e le spesse pennellate sulla tela massimizzano l'impatto della trama, una caratteristica notevole nelle opere della scena artistica parigina dell'epoca. Kim si è concentrato durante questo periodo della sua vita sulla produzione di opere che si sentono poeticamente coreane mentre allo stesso tempo scambiava idee con i suoi contemporanei più noti. Ha descritto le qualità uniche che si trovano nei loro capolavori come simili alle loro potenti canzoni, e quindi in sostanza cercava di scrivere le sue. Se visto da questa prospettiva, Eternal Song sembra ancora più significativa. Immagini come uccelli, montagne, cervi, nuvole, ceramiche e altro simboleggiano l'immortalità della natura e della tradizione; poiché le canzoni sono state a lungo considerate poesie con suono, Kim mostra sulla sua tela il linguaggio formativo in cui sono scritte poesie ricche di immagini. La tecnica disciplinata e l'uso armonioso del colore, incarnato dalla composizione piatta e dalla forma semplificata, caratterizzano questo lavoro, considerato in grado di catturare pienamente le opinioni e l'identità di Kim come artista e scrittore letterario. Tuttavia, lo stile di Kim non ha smesso di svilupparsi qui; dopo un po 'di tempo a New York, ha continuato a creare la sua serie ampiamente riconosciuta di dipinti a punti su tela intera. Fa uso di punti ripetuti, o punti, come struttura di base, ma le linee che circondano i punti sulle tele di Kim e i ripetuti cambiamenti nel loro colore sono del tutto originali. Una delle sue serie più famose di dipinti, Where, in What Form, Shall We Meet Again?, che prende il nome dal verso finale di una poesia di Kim Kwang-seop intitolata "In the Evening", è piena di un impressionante display di questi punti blu, che a loro volta rappresentano i pensieri e il desiderio dell'artista per il suo paese d'origine. I punti non vengono tamponati in modo netto ma annacquati e imbrattati, coprendo la tela in diverse tonalità di blu. I punti si sporcano e si diffondono, incontrandosi e estendendosi da un numero di elementi solitari in una forma aperta ed espansa per dimostrare l'armonia della moderazione e della magnificenza. Con queste tecniche che mostrano le differenze nei suoi metodi, ma l'uso coerente di motivi coreani e naturalismo, le opere di Kim rimarranno per sempre come canzoni eterne.

Kim Whanki, Where, in What Form, Shall We Meet Again? 1970. © Whanki Foundation and Whanki Museum.

Lee Ungno

L’arte moderna coreana di Lee Ungno è iniziata nell'era dell'artista e continua a vivere ancora oggi. La forza motrice che mantiene in movimento la corrente nonostante la storia estenuante della nazione sono gli artisti che creano nel suo ambito e spingono costantemente al cambiamento, e quindi il mondo mostrato nel lavoro di questi artisti è, senza eccezioni, una proiezione basata sulla realtà del mondo che hanno sperimentato.

Lee Ungno, Bamboo. 1971. © Lee Ungno Museum.

RM ha pubblicato online una foto del dipinto “Bamboo” di Lee Ungno, dicendo ai suoi fan di aver visitato la mostra intitolata The Square: Art and Society 1900–2019 al National Museum of Modern and Contemporary Art.

RM ha anche mostrato il suo amore per l'arte evidenziando la serie People e sottolineando che si tratta di un'opera successiva dello stesso artista. L'opera di Lee è particolarmente interessante se rivista cronologicamente, poiché ciò sottolinea il suo cambiamento di stile. I suoi primi lavori riguardavano le cosiddette quattro graziose piante in inchiostro che lo stabilirono saldamente nel campo dell'arte tradizionale coreana. Lee aveva un profondo interesse e affetto per il bambù: si dice che abbia realizzato dipinti di bambù esclusivamente per i sette anni successivi alla sua vittoria alla Joseon Art Exhibition nel 1924. Il bambù nell'arte è tradizionalmente associato ai nobili, suggerendo un pensiero retto e integrità. La maestria di Lee come mukjukhwa, o bambù in inchiostro pittore che aveva promosso sin dalla sua giovinezza è chiaramente evidente in Bamboo, il dipinto di Lee del 1971 pubblicato online da RM. Il bambù è realisticamente espresso con variazioni nella saturazione dell'inchiostro su schermi che raggiungono i tre metri di altezza e accoglie il pubblico in quella che sembra una vera foresta di bambù. Il lavoro di Lee durante questo periodo è particolarmente vivace e sottolinea le foglie del bambù e le variazioni nelle articolazioni in modo più espressivo di prima. Sebbene queste opere rimangano all'interno del genere mukjukhwa, possiamo vedere i cambiamenti nello stile di Lee nel tempo. Negli ultimi anni, Lee creò l'ormai familiare serie People che mostra una folla di figure umane dipinte con pennellate che ricordano la calligrafia. Le figure nei dipinti sembrano correre in una direzione, come se l'anziano Lee esprimesse la vitalità dello spirito umano al di là del regno della storia e della civiltà.

Lee Ungno, People. 1988. Immagine gentilmente concessa da SmartK.

Yun Hyong-keun

Come abbiamo visto, è naturale che il carattere di un artista, cioè il suo spirito e il suo atteggiamento verso la vita, sia incorporato nel suo lavoro. Questo senso del carattere e le immagini che produce è la forza principale dietro la nostra capacità di godere dell'opera d'arte, permettendoci di essere immersi in un profondo fascino mentre le osserviamo. Da quello che abbiamo visto, RM è attratto ed incuriosito dall'arte di Yun Hyong-keun, avendo visitato diverse mostre a Seoul, così come a Venezia e New York durante alcuni dei sui viaggio. Questa non è un'impresa facile senza passione, il che rende facile vedere l'interesse e l'affetto che RM ha per Yun e il suo lavoro.

Yun Hyong-keun, senza titolo. C. 1966. Immagine gentilmente concessa da Muum.

Le opere di Yun, che, come RM nota con entusiasmo, differiscono a seconda dell'età dell'artista quando ne dipinse uno in particolare, ed è meglio conosciuto per la sua dansaekhwa, o pittura monocromatica, ma le prime opere dipinte in gioventù sono astratti luminosi. Il sentimentalismo lirico dei suoi primi lavori sembra essere stati un riflesso dell'influenza del mentore e suocero Kim Whanki su Yun, ma a seguito di una falsa accusa di violazione delle leggi anticomuniste e del suo successivo rilascio dalla prigione, il lavoro di Yun ha assunto un'atmosfera più oscura e colori ai quali oggi lo associamo più prontamente. Agli osservatori rimane invariabilmente un'intensa impressione del risentimento e del dolore che angosciavano Yun quando guardavano le colonne nere sulla sua tela. La tonalità del nero, che ricorda l'inchiostro, non è stata effettivamente creata usando vernice nera, ma come risultato degli strati di terra d'ombra bruciata (rosso intenso) e blu oltremare (blu intenso) che Yun applica ripetutamente sulla tela. Le pitture sono stratificate sulla tela incollata in modo che i colori scorrano liberamente, mostrando i vari colori che sembrano diffondersi involontariamente ma sottilmente dall'oscurità. Allo stesso modo, lo spettatore può leggere la complessa emozione atmosferica delle bande verticali di colore nella sua serie di una vita Umber-Blue mentre si mescolano con lo spazio bianco dei margini esterni. Poiché i colori e i margini delle opere variano in base all'epoca e alla situazione in cui ciascuna è stata dipinta, la piena immersione in un dato lavoro deriva da un'analisi adeguata dell'ambiente e del processo di pensiero di Yun nel momento in cui dipingeva.

Yun Hyong-keun, Umber-Blue. 1973. Immagine gentilmente concessa dal National Museum of Modern and Contemporary Art.

Kwon Dae-sup

Fino a questo punto, abbiamo discusso principalmente di dipinti, ma non sono le uniche opere d'arte che incarnano la storia e le tradizioni coreane. Ciò non significa che le opere che ereditano dalla tradizione siano sempre escluse dall'elenco dei generi artistici, ma nessun elenco sarebbe completo senza le ceramiche di Kwon Dae-sup. RM, che ha pubblicato una foto di se stesso con uno dei vasi lunari di Kwon tra le sue braccia, si è riferito con ammirazione a Kwon come a un maestro dell'estetica coreana mentre osservava i suoi lavori in una mostra. I vasi Moons, una ceramica di porcellana originariamente realizzata nel tardo periodo Joseon, sono ceramiche coreane rappresentative famose per il loro colore bianco delicato e per le sue curve. Sebbene si sia laureato in pittura, Kwon è rimasto affascinato dalla forma e dall'immagine dei vasi lunari e da allora ha lavorato come artista della ceramica. È del tutto naturale che i vasi lunari di Kwon - sui quali lavora e perfeziona da secoli e che sono realizzati utilizzando lo spirito e le tecniche associate alla porcellana bianca tradizionale - siano riconosciuti come capolavori; sono una raffinatezza della forma base del vaso lunare, pulita e priva di difetti, con un minimalismo che ben si adatta alla sensibilità moderna.

Kwon Dae-sup, Moon Jar. Immagine gentilmente concessa da K Auction.

Poiché i grandi vasi lunari sono difficili da realizzare tutti in un unico pezzo, la parte superiore e inferiore devono essere lavorate separatamente e unite insieme utilizzando abilità altamente raffinate, un processo che sottolinea la distinzione tra estetica e finitura per ogni singolo artista, con le inevitabili imperfezioni nella forma rotonda che si aggiunge alla bellezza di ogni barattolo. Sebbene sia sempre bianco, il fatto che l'artista controlli quanto saranno limpidi o opachi i barattoli manovrando il fuoco nel forno mostra quanto sia difficile un processo. La qualità discreta ma calda del barattolo di luna si riflette nella sincerità inalterata di questi dettagli. Questo raffinato equilibrio rivela il desiderio di Kwon di creare qualcosa di semplice e tradizionale, mentre minuscole irregolarità conferiscono ad ogni barattolo un'effervescenza unica. Nelle mani di un artista con sensibilità moderne.

Joung Young-ju

Proprio come possiamo trovare conforto e calore negli elementi tradizionali di un'opera, a volte ci troviamo, anche se incerti sul perché, a desiderare qualcosa quando le emozioni del nostro passato riaffiorano. Forse è per questo che City, Disappearing Landscape dell'artista Joung Young-ju e l'emozione che suscita sono così familiari.

Joung Young-ju, Disappearing Hometown 730. 2020. Dal blog dell'artista.

Le opere della serie, che catturano scene di vecchie baraccopoli, sembrano realistiche come una fotografia, ma sono realizzate utilizzando una tecnica chiamata papier collé, che incorpora diversi materiali applicati su una tela. La carta tradizionale coreana nota come hanji è spiegazzata e rivestita con vernice acrilica per far risaltare il paesaggio di un vecchio quartiere, mostrando tracce del tempo mentre il colore e la consistenza della carta raggiungono un effetto tridimensionale. Fedele al nome della serie, la prospettiva fa apparire sfocate le case in Disappearing Landscape, in linea con il tema dell'evocazione dei ricordi del passato prima che tutto scompaia. Joung riversa nelle sue opere i suoi personali sentimenti di conforto associati a una piccola città natale in modo che coloro che li guardano provino inevitabilmente una calda nostalgia indipendentemente dal fatto che abbiano visto tali luoghi di persona o meno. È interessante notare che, nella sua ricreazione dei teneri ricordi del vicinato, Young non include una sola persona nella foto. La ragione probabile per cui sentiamo la vivacità e la nostalgia in ogni dipinto nonostante l'assenza di persone è la serie di case luminose che riempiono la tela. Come sempre, ciò che vediamo a prima vista non è tutto ciò che ci viene detto, ed è abbastanza facile per noi immaginare tutte le persone del vicinato che trascorrono il loro tempo nelle loro case; la nostra immaginazione ci porta in un posto della memoria lirica nelle opere di Joung.

Kang Yobae

La memoria e il significato ad essa attribuito sono diversi per tutti. L'artista Kang Yobae, nato e cresciuto sull'isola di Jeju, associa la memoria principalmente al tempo e al luogo in quanto si riferisce specificamente a Jeju. Il suo lavoro si concentra sulla natura e la storia dell'isola.

Kang Yobae, fiori e armi. 1977. Immagine gentilmente concessa dal National Museum of Modern and Contemporary Art.

RM ha menzionato un libro che ha letto di recente: The Depth of Landscape, una raccolta dell'arte di Kang insieme ai suoi scritti personali che esplorano la sua vita e le sue opere. Il libro, un'indagine sul pensiero e sulla logica che Kang ha messo nella sua arte, è di per sé una lettura intrigante, ma è particolarmente degno di nota dato quanto sia raro per gli artisti coreani scrivere del proprio lavoro. Il libro di Kang si apre con la frase: "Sono cresciuto sull'isola e sono tornato sull'isola". Una figura di spicco del Minjung ("popolo") e movimento degli anni '80, Kang ha riempito i suoi dipinti con i ricordi dolorosi ma potenti della sua città natale, e in particolare della rivolta di Jeju. Tuttavia, molte delle sue opere fanno luce anche sul lato naturale dell'isola. Mescola dipinti di paesaggi tradizionali con tecniche occidentali e mostra tutte e quattro le stagioni, ma sulla tela accade di più di quanto potrebbe essere immediatamente evidente. La memoria di Kang del paesaggio è piena di vita e storie, rendendolo necessariamente diverso da come viene visto agli occhi degli spettatori. Sebbene guardino lo stesso mare e cielo come lui, Kang ricostruisce le scene attraverso il suo ricordo della storia dietro e le storie contenute al loro interno. In particolare, il vento, un elemento comune del suo lavoro, è dipinto con pennellate delicate e libere per catturare il senso del tempo e del luogo e l'ambiente animato in esso. I venti illustrati di Kang agitano i cuori degli osservatori con ciò che il suo cuore ha affrontato e le sue opinioni da ogni momento della sua intera vita.

Kang Yobae, South Wind 1. 1992. Immagine gentilmente concessa da Dolbegae Publishers.

Traduzione a cura di ©RMNotizie

Articolo originale: https://bit.ly/3re7y2U